ZaRQuN – Diseño Gráfico, Web y Programación Blog sobre diseño grafico en general y curiosidades

De vez en cuando te encuentras con artistas cuyo trabajo consigue atraparte en cuestión de segundos. Eso es exactamente lo que me pasó al descubrir el portafolio de Will Murai.

Su galería está llena de personajes, criaturas fantásticas y escenas cargadas de personalidad. Hay una mezcla muy interesante entre la influencia del cómic occidental, el anime japonés y la ilustración fantástica clásica. El resultado es un estilo reconocible que transmite dinamismo y mucha fuerza visual.

Lo interesante de Will Murai es que no se limita a crear imágenes bonitas. Cada ilustración parece contar una historia. Sus personajes tienen expresiones, actitud y detalles que invitan a imaginar quiénes son y qué está ocurriendo en la escena. Esa capacidad narrativa es algo que muchos artistas buscan durante años.

Su trayectoria también es digna de mención. Comenzó trabajando como colorista para editoriales estadounidenses y posteriormente evolucionó hacia la ilustración profesional, participando en proyectos relacionados con videojuegos, publicidad, publicaciones y arte conceptual. Además, ha colaborado con compañías de primer nivel dentro de la industria del entretenimiento y los videojuegos.

Si te dedicas al diseño gráfico, la ilustración o simplemente disfrutas viendo arte digital de calidad, echar un vistazo a su web es una auténtica fuente de inspiración. Sus trabajos demuestran que la técnica es importante, pero que la creatividad y la capacidad para transmitir emociones siguen marcando la diferencia.

En una época donde gran parte del contenido visual parece generado en serie, artistas como Will Murai recuerdan por qué el arte sigue teniendo tanto valor: porque detrás de cada imagen hay una idea, una historia y una visión personal.

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Con motivo del nuevo capítulo de la saga de Star Wars, aparece Start-Works, un proyecto que no es solo una expo ni solo un libro… es más bien un viaje visual directo al hiperespacio del diseño.

Aquí no estamos hablando de merchandising típico ni de lo de siempre. Esto va de reinterpretar el universo de Star Wars desde el arte contemporáneo, mezclando ilustración, diseño gráfico y libros de autor que parecen salidos de una galaxia paralela.

La idea nace de la colaboración entre Freakering y Libri bastardi, dos nombres que se juntan para hacer algo bastante claro: romper el formato y llevar la creatividad a otro nivel. Y sí, el juego de palabras es evidente… porque si algo une todo esto es la Fuerza.

Lo interesante es cómo este tipo de proyectos convierten una saga tan conocida en algo nuevo otra vez. No es solo nostalgia, es relectura visual. Es coger iconos que ya tenemos en la cabeza (naves, mundos, personajes) y pasarlos por el filtro del arte gráfico actual.

Al final, Start-Works no intenta competir con la saga, sino expandirla. Como si el universo de Star Wars siguiera creciendo fuera de la pantalla, pero esta vez en papel, tinta y diseño.

Y sinceramente: si eres de los que disfrutan tanto del arte como del código visual detrás de las cosas, esto es de los proyectos que apetece mirar despacio.

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Hay marcas de coches que venden motores. Otras venden tecnología. Y luego está CUPRA, que lleva años vendiendo actitud. Con “The Chosen One”, la marca española vuelve a jugar en esa liga donde el diseño, la narrativa y la cultura pop pesan casi más que las especificaciones técnicas.

La campaña parte de una idea bastante simple, pero muy potente: no eres tú quien escoge el coche, es el coche quien te escoge a ti. Y sí, si al ver el spot has pensado automáticamente en aquella famosa escena de Harry Potter donde la varita elige al mago, es completamente intencionado. De hecho, el protagonista del anuncio es Tom Felton, el actor que interpretaba a Draco Malfoy.

Lo interesante aquí no es solo la referencia cultural. Lo realmente inteligente es cómo CUPRA convierte un coche en algo casi emocional. El spot no habla de caballos, ni de consumo, ni de autonomía. Habla de identidad. De pertenecer a algo. De sentir que el coche encaja contigo como una extensión de tu personalidad. Y eso conecta muchísimo con cómo consume hoy la gente que está metida en diseño, tecnología o cultura digital.

Visualmente, la campaña está construida como una película de ciencia ficción elegante. Todo tiene ese look oscuro, premium y ligeramente futurista que CUPRA lleva perfeccionando desde hace años. Luces dramáticas, espacios enormes, materiales metálicos, reflejos cuidados al milímetro… parece más un tráiler de una serie de Netflix que un anuncio de coches. Y eso no es casualidad.

CUPRA entiende perfectamente que hoy competir no va solo de producto. Va de universo visual. De generar estética. De hacer que alguien vea una imagen durante medio segundo en Instagram y sepa inmediatamente que es tu marca.

La dirección artística del spot es probablemente lo más potente de toda la campaña. Hay una obsesión evidente por transmitir exclusividad sin caer en lo clásico. Nada de lujo elegante al estilo alemán. Aquí todo es más agresivo, más gamer, más cercano a la cultura streetwear y al diseño conceptual que al típico anuncio corporativo de automoción.

Y eso explica por qué CUPRA está funcionando tan bien entre públicos jóvenes. Han conseguido que conducir uno de sus coches parezca formar parte de una identidad creativa concreta. No venden simplemente movilidad. Venden carácter.

Además, la campaña demuestra algo importante en publicidad moderna: las referencias culturales bien usadas siguen funcionando muchísimo. El guiño a Harry Potter no está metido con calzador. Está integrado en la narrativa y sirve para activar automáticamente una memoria colectiva brutal. En segundos entiendes el concepto entero sin necesidad de explicaciones largas.

A nivel de branding, CUPRA lleva tiempo alejándose de la imagen clásica de SEAT para construir algo casi independiente. Más aspiracional, más emocional y muchísimo más visual. Y campañas como esta ayudan justo a eso: a reforzar la sensación de que la marca pertenece más al terreno del diseño y la experiencia que al de la automoción tradicional.

También es interesante cómo la marca coloca al conductor como protagonista absoluto. Mientras muchas marcas hablan de conducción autónoma y tecnología fría, CUPRA sigue apostando por la conexión humana con el coche. Esa idea aparece constantemente en sus campañas recientes y forma parte ya de su ADN visual y narrativo.

Y sinceramente, en un mercado lleno de anuncios genéricos, se agradece ver una marca que entiende cómo mezclar storytelling, estética cinematográfica y cultura pop sin parecer desesperada por ser moderna.

Porque al final, “The Chosen One” no va realmente de coches. Va de hacerte sentir especial durante minuto y medio. Y eso, cuando está bien ejecutado, sigue siendo una de las herramientas más poderosas del diseño y la publicidad.

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Hay artistas que hacen ilustraciones bonitas y ya está. Y luego está Amanda Milanez, que consigue que cada escena parezca sacada de una película animada que todavía no existe, pero que todos querríamos ver. La ilustradora y artista 2D brasileña lleva años construyendo un estilo muy reconocible donde mezcla diseño de personajes, composición cinematográfica y una sensibilidad visual brutal.

Su trabajo se mueve entre el concept art, la ilustración editorial y el background design, pero sin quedarse encerrada en una sola categoría. Esa es precisamente una de las cosas que más llaman la atención de Amanda Milanez: parece cómoda en cualquier terreno creativo. Puede hacer una escena íntima con tonos suaves y, al siguiente proyecto, lanzar una composición llena de energía, luces y personajes con personalidad propia.

Gran parte de su identidad visual viene de cómo trabaja el color y la iluminación. Sus ilustraciones tienen ese punto cálido y narrativo que recuerda mucho a producciones de animación moderna. No son imágenes estáticas sin más. Siempre da la sensación de que algo acaba de pasar o está a punto de ocurrir. Y eso, en diseño visual, vale muchísimo.

También destaca mucho su trabajo de character design. Sus personajes tienen expresividad, formas muy bien pensadas y una silueta fácil de reconocer. No dependen de detalles exagerados para funcionar. Con pocos elementos consigue transmitir carácter, emoción y narrativa visual. Ahí es donde se nota el nivel real de una artista.

Otro punto interesante es cómo mezcla técnicas y herramientas digitales sin perder frescura. Usa software como Photoshop, Illustrator y After Effects, pero el resultado nunca se siente frío ni excesivamente técnico. Todo mantiene una textura muy orgánica y artesanal, algo complicado de conseguir cuando trabajas en digital.

Amanda Milanez también ha trabajado en proyectos relacionados con ilustración comercial, diseño para marcas y producciones visuales internacionales. Además de sus proyectos personales, ha colaborado como ilustradora y artista 2D para estudios y empresas fuera de Brasil, algo que demuestra cómo su estilo conecta con una audiencia global.

Si te gusta el diseño gráfico, la ilustración digital o el concept art, su trabajo es de esos perfiles que merece la pena estudiar con calma. No solo por la calidad visual, sino porque entiende muy bien cómo construir atmósferas, contar historias y hacer que una imagen tenga vida propia.

En una época donde muchas ilustraciones parecen hechas siguiendo la misma plantilla estética, Amanda Milanez destaca precisamente por lo contrario: tiene personalidad visual. Y eso hoy vale oro.

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Llevaba tiempo con el gusanillo de meterme en el mundo de la pintura digital. Tenía el iPad muerto de risa para cuatro notas y Netflix, así que pensé: “oye, igual aquí hay un mini artista frustrado esperando salir”. Total, que me lancé a probar tres de las apps más populares: Adobe Fresco, Procreate y Autodesk SketchBook. Y sí, hay diferencias… y bastante claras.

Empecé por Procreate, que es como la puerta de entrada de casi todo el mundo. Es rápida, intuitiva y tiene una barbaridad de pinceles. Literalmente abres la app y ya estás dibujando como si llevaras años. Me flipó lo fluido que es todo, el rendimiento es una pasada y tienes herramientas suficientes para hacer cosas muy serias. Eso sí, cuando intentas ir más allá y buscas un rollo más “realista” en pintura, notas que todo está muy optimizado para ilustración digital más que para simular pintura tradicional.

Luego probé SketchBook, que es como el colega tranquilo que no hace ruido pero cumple. Es gratuita, ligera y muy fácil de usar. Perfecta si estás empezando o si quieres dibujar sin complicarte la vida con mil menús. Pero claro, comparada con las otras dos, se queda un poco corta en herramientas avanzadas y en sensaciones. Es como si te faltara ese “algo” cuando quieres experimentar más en serio.

Y aquí es donde entra Adobe Fresco… y donde yo hice clic. Lo que más me atrapó es cómo se siente pintar. Los pinceles “vivos” son una locura: acuarelas que se mezclan de verdad, óleos que reaccionan como esperarías… de repente no estás “dibujando en digital”, estás pintando. Para alguien que viene con la idea romántica de la pintura tradicional, esto engancha muchísimo. Además, la integración con el ecosistema de Adobe suma puntos si ya tocas otras herramientas.

Eso no quiere decir que sea perfecta. Fresco puede parecer menos inmediata que Procreate al principio, y algunas funciones están más escondidas. Pero cuando le pillas el truco, es donde más disfrutas el proceso, no solo el resultado.

Si tuviera que resumirlo fácil: Procreate es la mejor para ilustrar rápido y con potencia, SketchBook es la más sencilla para empezar sin presión, y Adobe Fresco además de gratuita es la que más se acerca a la sensación real de pintar. Y en mi caso, eso último ha pesado más que todo lo demás.

Así que sí, después de probar las tres, mi favorita es Adobe Fresco. No porque sea “la mejor” en todo, sino porque es la que me ha hecho querer volver a abrir el iPad cada día para seguir pintando. Y al final, de eso va todo esto.

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Con el final de Stranger Things ya sobre la mesa, es inevitable mirar atrás y celebrar todo lo que ha significado la serie de Netflix. Personajes inolvidables, estética ochentera y una legión de fans que no deja de crear contenido inspirado en Hawkins. Aprovechando este cierre, hoy quiero compartir una serie de ilustraciones que me han encantado, creadas por la artista Rita Fazlyeva, donde mezcla dos universos que funcionan sorprendentemente bien: los signos del zodiaco y los protagonistas de Stranger Things.

Cada ilustración asocia a un personaje de la serie con un signo zodiacal, jugando con su personalidad, su forma de actuar y su evolución a lo largo de las temporadas. El resultado es una colección muy visual, cuidada y con un estilo elegante que conecta tanto con fans de la serie como con amantes de la ilustración y la astrología. Desde Eleven hasta Dustin o Max, todos encuentran su reflejo astral en estas piezas llenas de color y carácter.

Este tipo de proyectos demuestran una vez más el impacto cultural de Stranger Things y cómo, incluso tras su final, sigue inspirando a creativos de todo el mundo. Una forma perfecta de rendir homenaje a la serie y despedirnos de ella con arte, imaginación y un toque cósmico.

Ver la colección completa aquí

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Skin tone palettes

Esta paleta de colores para la piel es un recurso muy interesante para todo aquel que le guste la pintura digital. En el archivo descargable se incluyen dos versiones de cada paleta, .aco y .ase para que puedan ser utilizadas en otros programas como illustrator o Gimp.

Descargar – Skin tone palettes

Halo Wars - Brute Chief

Revenger

Pixologic ZbrushCentral Contest Banner

The Boxer

Ubisoft Ghost Recon for Wii Box Cover

The Black Eyed Peas

Aunque el portafolio que encontramos en la web del estadounidense Jeff Miller no nos encontramos un gran número de trabajos eso no nos impide comprobar que estamos ante un artistazo como la copa de un pino. Si después de este primer contacto con sus trabajos dudas de que Jeff Miller es uno de los grandes en el modelado de personajes en 3d visita su portafolio y despejas tu dudas.

Seguramente muchos de ustedes conozcan sus obras, ya que es habitual verlas en recopilatorios de publicidad, pero seguramente menos conozcan quien es su autor. Para aquellos que no se conforman con sólo ver los trabajos y les gusta conocer sobre el autor os traigo el portafolio personal de Huang Cheng. En su web podréis ver muchísimas más obras y conocer detalles de la producción de algunas de sus obras, además de conocer sobre sus gustos y aficiones.
Os dejo un par de enlaces donde podréis ver detalles de la producción de la primera y tercera obra.

Chicas guapas, ropas de época, poses sensuales y escenarios de fabulas, no es de extrañar que Mario Wibisono bautice a su obra como “Fantasy Illustration”.
¿Sorprendente trabajo verdad? Pues más sorprendente te parecerá cuando sepas que lo realiza con Adobe Photoshop y su ratón.